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不懂结局的来看-源代码

a@b.com (暴暴) — Sun, 30 Oct 2011 18:50:48 +0800

文：开心

　　刚看完《源代码》，对于结局纠结了半天。现在仅对结局做一个解释，希望能给大家对于理解影片有所帮助。
　　首先简述一下影片的故事情节：一位名叫柯尔特·史蒂文的上尉，某日当他醒来时发现自己正在一辆前往芝加哥的火车上，而他在火车的主要目的就是要找到是谁把炸弹放在了火车上。就是这样过程，却被重复的“播放”（因为这是Source Code世界）。Source Code世界是由博士制造的，根据人在死后，大脑的电磁场仍然带着电，并没有完全死去，还能够运转，但是只有短暂的8分钟之久。换句话说，当柯尔特·史蒂文回到已经发生过爆炸的列车上时（是通过仪器把他传送到过去），他只有8分钟时间可以用。在8分钟之内无论他是否找到凶手，他都会死去（但是最后他打破了这个定论）。
　　可能你会疑问，是柯尔特·史蒂文的身体和脑电波一起回到列车上还是仅仅他的脑电波被附在了列车上的某个人身上？答案是他的脑电波附在了列车上的肖恩芬特雷斯教师的大脑里。肖恩芬特雷斯是发生爆炸的列车上的一名乘客，并和克莉丝汀有渊源（肖恩芬特雷斯和克莉丝汀在爆炸中都死了）。
　　为什么影片开头柯尔特·史蒂文一脸迷茫？车上的人认识他，他对一切却感觉到陌生？因为当时的“柯尔特·史蒂文”并不是真正的他自己，而是柯尔特·史蒂文的脑电波和肖恩芬特雷斯躯体的结合体（暂时称为柯尔特肖恩）。真正的柯尔特·史蒂文其实是在实验室里，靠仪器存活。因为他在一次飞行任务中只剩下了一个大脑和半个躯体，并且一直处于昏迷，所有的对话都是他的脑电波在和女军官古德温进行。在女军官古德温的帮助下，柯尔特·史蒂文一次又一次的回到列车上寻找凶手，并且喜欢上了克莉丝汀。在倒数第二次进入列车上时，“结合体”柯尔特肖恩找到了放炸弹的凶手——德瑞克弗罗斯特，但是他和克莉丝汀都被凶手杀害了，接着柯尔特·史蒂文又回到了现实中，在大家努力下抓到了又将进行第二次作案的凶手，也就是列车上的德瑞克弗罗斯特。
　　也许会有疑问，1：现实世界和Source Code世界有什么关系？2：在Source Code世界发生的事情会不会影响到现实世界？3：结局又是什么意思？
　　 1：现实世界和Source Code世界是两个完全平行的世界，Source Code不是时空之旅，而是关于时间的重新分配，让我们能够进入平行的现实，在8分钟之后没有未来
　　 2：既然现实和Source Code是平行的，所以就不存在相互牵连的情况，就好像两条平行线，永远不可能相交，但是在Source Code看到的信息是能够用在现实世界的，是不失真的。比如在Source Code里看到凶手的车牌号，告诉现实世界最后抓到凶手。
　　 3：结局可以说这个电影最难懂的部分，也可以说很意味深长，很多人说是画蛇添足，其实不是的。大家肯定记得柯尔特·史蒂文在执行完任务后对女军官古德温说，还要再次进入Source Code，去救克莉丝汀，并要求8分钟后结束现实世界里的昏迷不醒的柯尔特·史蒂文的生命。女军官古德温并不相信他能够改变Source Code的一切，因为她认为8分钟后就没有任何意义了（大家要记住此时的古德温是现实世界的古德温）。但是出于对柯尔特·史蒂文的同情她还是同意了他的要求，将他送进了Source Code。记住，此时是在Source Code，这也是柯尔特·史蒂文最后一次进入Source Code，结合体柯尔特肖恩惩治了恐怖分子德瑞克弗罗斯特，并刚好在第8分钟kiss了克莉丝汀，而此时现实世界的女军官古德温也刚好结束了柯尔特·史蒂文生命。但是奇迹出现了，Source Code里的柯尔特肖恩并没有死，这是为什么呢？首先来说，电影里解释说两个世界是平行的，所以现实世界女军官古德温关掉仪器开关造成柯尔特·史蒂文死亡并不能影响Source Code里的结合体柯尔特肖恩，反而在某种程度上来讲刚好促成了Source Code里的结合体柯尔特肖恩可以不死；其次也许这就是爱的力量（电影里常常讲的）。
　　接下来就好解释了，因为镜头接下来发生的所有事情都是在Source Code里面进行的，有些人之所以看不懂结局也许就是因为把下面发生的事还当做是在现实世界。结合体柯尔特肖恩在列车上给女军官古德温发了一条短信（此时已经把恐怖分子烤在了火车上，并且打过电话报警），这个短信是关键。其实阅读短信的那个女军官古德温并不是电影刚开始出现的那个现实世界的女军官古德温，而是Source Code里的军官古德温，她也并不知道是谁给她发的短信，当她面对博士看到手机短信上凶手的名字和别人说的一样的时候，并不知道这一切是怎么回事。她看到躺在仪器箱子里活着的柯尔特·史蒂文也是真正的Source Code里的柯尔特·史蒂文，并不是在现实世界里死去的柯尔特·史蒂文，此时的一切都是发生在与现实世界平行的Source Code世界，而结合体柯尔特肖恩和克莉丝汀也过上了幸福而有美好的生活。
　　看到这里也许大家想到了《盗梦空间》里一直旋转的陀螺，也许导演也在告诉我们，到底哪个是现实世界，而哪个是Source Code世界。

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撞车打架不是罪，香车美女闹翻天-速度与激情5

a@b.com (暴暴) — Wed, 18 May 2011 05:01:13 +0800

文：梦见乌鸦

　　没有内裤外穿的超级英雄，没有面容滑稽的外星生物，更没有天塌地陷的世界末日，在看腻了国产不着调的历史大片和国外飞天遁地的花哨电影之时，《速度与激情5》却有英俊大条的猛男，凹凸有致的靓妹，令人垂涎欲滴的跑车，真刀真枪的一通猛干，观众就是喜欢看让汽车在马路上横冲直撞的电影，多贵的名车撞烂了也不心疼，反正不是自家财产，用几十元大钞换来大银幕上的爽快才最给力。
作为一部续集电影，《速度与激情5》与前几集的联系不算太大，即便没有看过之前几部的观众理解本片的剧情一点也不费劲。但对于那些这个系列的忠实fans来说，本作在火爆之外无疑会更有趣一些，那就是把前几集的主配角们来了一个大集合，包括第一集文·迪塞尔身边的小弟，第二集的罪犯黑人泰瑞斯·吉布森和电子专家卢达·克里斯，第三集和第四集的亚洲人韩，在第四集开头不停斗嘴的黑人兄弟，还有那个变节的女反派，以色列小姐盖尔·加朵。因此，《速度与激情5》更像是一个本系列作品的十周年纪念版，以往大小角色全部出马，还有新人岩石强森的加入。而且照着前几集的路线，这个系列一再遵循着双雄对决，惺惺相惜，化敌为友神马大团结的模式，本片中文·迪塞尔和岩石强森之间的结局也不难想象。
作为一部赛车题材的电影，本片的剧情与飙车并无太大联系，应该可以看出电影此时求变的思路。比起以往通过飙车渗入到犯罪团伙这样千篇一律的剧情，本片这个集合犯罪的故事更像是《偷天换日》的模板。正所谓“旧瓶装新酒”，团队协作这样的群戏在好莱坞最吃香了，也是万变不离其宗。飙车能手、电子奇才、诱人美女一个不能少，耍嘴皮子的，互相吵架的搞笑角色多多益善，当然还有一个跟屁虫一般的警察基佬捣乱，就连盖尔·加朵色诱大毒枭的情节也和《偷天换日》里杰森·斯坦森搞定女警察的路子差别不大。所以说，本片比起前作跑车为主角，人物跑龙套的剧情结构来说，这里汽车只能沦为标准的代步工具，一切故事发展基本上与赛车联系很少。抛去赛车情节，电影的故事依旧说得通。换了一种依旧复刻的剧情模板，就让片子看起来与众不同，这恐怕是在好莱坞娱乐体系中，以不变应万变最基本的常识。
不过话又说回来，本片长达2个小时，前半部分基本上是在处理以前几集留下的烂摊子，从开场火车劫案引出另一个官司开始，到处理冤魂缠腿的琐事东躲西藏，这就花去了不少时间。真正开始群戏合作电影几乎过半，这就压缩了本应出彩的组队戏，也使得其他几名成员的戏份得不到应有的发挥，此为遗憾之处。
如果在这部电影里过多讨论有关剧情神马的就太不给面子了，毕竟所有观众看这部电影不是为了文绉绉的基情和里约热内卢的风光而去了，火爆的动作和飙车才是要关注的。
本片以无数车辆毁坏的代价为观影者带来刺激和火爆的视觉效果。开场火车大劫案和结尾双车脱钱柜的劲爆场面叫人大呼过瘾。电影很少采用像以往赛车题材中一味追求速度感的宏观镜头，而是用美式动作片里那跟拍和局部特写，简单直接的硬碰硬，高速运动下藐视地球引力的汽车翻飞，在大街小巷横冲直撞造成的断壁残垣，增强了镜头张力，也使得动作场面的观感在保留速度感得同时更加突出了暴力互飚的畅快。本片与单纯的赛车题材电影相比，撞毁的车辆更多，造成的破坏场面更为强大。虽说在本片中展现的名贵跑车是系列里最少的，但展现的破坏力却最大，以文迪塞尔这个肌肉男和他的狂野座驾为例，本片从场面上而言可以看做是升级华丽版的《死亡飞车》。单是最后一场街头大战的力度足以在本系列中高居榜首，甚至在影史飙车场面中也会占有一席之地。

文·迪塞尔和岩石强森这对好莱坞新一代动作明星在本片首次联手，让肌肉大条的猛男委屈在小汽车里实在有些“英雄无用武之地”的意思，所以像“秃子干秃子”这样的对打必不可少。几场追逐和一场放弃防守的对战，这二位肌肉男充分展示硬汉的色彩，晃动的镜头直逼《谍影重重》。奉劝二位（尤其是岩石），以后少跟着小鬼们拍儿童片了，多拍这样“二话不说，上来就干”的火爆片对展现各自的长处和观众都有好处。
在听觉方面，在5.1声道烘托下各型跑车发动机的轰鸣声、轮胎与地面的摩擦声、车与车之间撞击声、玻璃的破碎声无时无刻的不再强奸着你的耳朵。也许一般观众受不了这种刺耳的声音，但对于汽车发烧友和动作片迷来说，这些声音像是美妙的音乐，尤其是跑车马达的发出的不同声音，使爱车之人心旷神怡。本片的配乐依然是Brain Talyer，这位新晋配乐人士在《东京漂移》中创造的音乐堪称经典，也许是考虑到本作风格的转变，本片的主题音乐另起炉灶，依然是电子和交响乐的结合，但不如前作的主题音乐精彩。只有一段，四个人开着警车飙车的背景音乐，却是照搬《赛车风云》里文·迪塞尔和保罗·沃克第一次城市飙车的主题音乐，与本片其他背景音乐辨析度很高。本片的声音在与画面结合的情况下，音响效果升至最高点，但不要指望本片拿到奥斯卡最佳音效奖，因为电影在夸张音效的烘托下，只能是各有所爱。
除此之外，本片男女通吃，女孩们是冲着片中的帅哥和猛男而去，而男孩子则对美女和香车情有独钟。本片的名贵跑车露面不多，成了真正的龙套，但并不妨碍大小汽车高速奔驰时撞个稀巴烂的那种爽快速度感和爽快感。而且片中俊男美女无数极为养眼，特别关注以色列小姐盖尔·加朵，虽说出镜不多，但175cm的修长身材和姣好的面容极为抢镜，瞬间秒杀众多世俗男众，让多少少女羡慕嫉妒恨。
当看完《速度与激情5》时，看着身边大街小巷慢悠悠的大小车流和随处可见的限速牌是否有一种很憋气的感觉，《速度与激情5》的功效就在于此。但电影就是电影，各位观众千万不要一时冲动以身试法，如果你仍然不甘寂寞的话，赶紧回家在玩几局《极品飞车》吧。

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爱有多深才这般不顾一切？？-危情三日

a@b.com (暴暴) — Fri, 06 May 2011 11:46:58 +0800

文：更深的白色
　　1
　　1976年，北岛写了一首名为《回答》的诗，其中最著名的两句是“卑鄙是卑鄙者的通行证，高尚是高尚者的墓志铭”。但诗眼其实是充满力量的四个字：“我不相信!”

　　面对周遭的黑暗和丑恶，“我不相信”是一种决绝的态度和不妥协，但这种愤怒的对抗中其实蕴藏着对光明和美好的期待。我不相信丑恶会是常态，我相信美好终将到来。

　　那么，什么是值得我们相信的呢。

　　《危情三日》为我们提供了一个范本。一个有着平静而美满生活的家庭，妻子突然成了杀人嫌疑犯，且证据确凿。面对这样的情形，丈夫该怎么做?曾经凭借《撞车》捧获奥斯卡的导演Paul Haggis，在《撞车》中已经展现了对情感把握的功力。不同于《撞车》的群像，《危情三日》几乎是Russell Crowe饰演的丈夫一人的独角戏，但在精良的剧本和没了大肚子的澳洲影帝的动人表演下，人与人之间的情感依旧细腻而动人。

　　因为，丈夫的回答是：我相信。他甚至没有问过自己的妻子到底是不是她做的，因为他相信，那是他的爱人，那天晚上他们还一起吃饭、耳鬓厮磨，她绝不会做这样的事。即使所有的证据都对她不利，即使他们的律师都劝他，“你忘记她是你的爱人，再去看看报告”，言下之意是你被你的情感蒙蔽了双眼，从而罔顾事实。这是一种我们经常看到的逻辑，也往往是正确的逻辑。但丈夫此时的信任已经让旁人感觉到了偏执和疯狂，面对一点一点消失的希望和时间，看着自己爱的人是如此的无助和绝望，他选择了铤而走险。

　　电影用了丈夫的一堂课来阐释他的内心，相似的手法让我想到了《大卫戈尔的一生》，同样是时日无多的死囚，同样是细腻的情感，同样用了主人公的一堂课来点题。但不同于大卫课堂上的拉康哲学，丈夫的一堂课显得浅显而明晰：堂吉诃德，一个完全的理想主义的化身。最纯粹而彻底的信念给了他偏执的理由，给了他拒绝所谓理性的理由。

　　2

　　作为一部好莱坞的商业类型片，本片其实并无大的新意，种种设置和剧情都很常见(正如上文的点题一课),因而本片也被人诟病俗套。但俗套一词对于商业电影而言，从来不是贬义词。况且《危情三日》走的是最正统的商业片的路子，跟对奥斯卡评委口味的《撞车》不一样，尽管都在“人性”二字上作文章，但一部想赚钱的商业片不会搞得那么暧昧多义，不会是探讨式的，而是歌颂式展现式的(所谓主旋律)。正因为注重家庭是美国人价值观中很重要的一点，因而歌颂亲情(爱情)也是好莱坞主流商业片常见的主题。但能做到《危情三日》这么精致的绝对是凤毛麟角，把主流的感情模式照顾的面面俱到。以男主角为中心，他与亲人之间的情感都是教科书般的动人。主轴当然是夫妻俩的爱情，其实我们看到的基本是一个好男人爱他妻子所能达到的极限版本。在这里必须再次夸赞剧本的精良，对感情的描摹层层推进，开篇简洁地交代人物关系，一顿晚饭一顿早餐就让我们有了“家庭和睦”的直观感受。妻子入狱后戏剧冲突到了一个小高潮，三年时间足以让孩子疏远母亲，但丈夫无条件的信任，决不放弃的精神非常动人。也为之后所有的疯狂铺垫了合理性。

　　当然，我们可以感觉到，这似乎是一个被神化了的极品好男人。连妻子都被他这样的完美弄得有点崩溃。Russell Crowe独自照顾儿子的三年内，工作、官司、孤独，都不曾让他忽视了对儿子的关爱，对单亲母亲的示好也没有丝毫动心。他心中只有妻子和家人，并且这份爱不因分离而减弱，不因他人的所谓理性而怀疑，这是真正的爱，这也是罕见的爱，美好到不真实。但这正是我最喜欢的“不真实”，其实跟天朝主旋律片的不真实是一个道理，我们知道已经罕见到几乎不可能，但由于这是我们所向往的终极的美好，所以我们情愿相信这是真的。

　　父子情的处理着墨不多，但极为出色。丈夫与儿子的不用多言，而更加打动我的是丈夫跟他的“从不说话”的父亲之间的寥寥三场戏。其中第二场简直太棒了：丈夫抢好钱来接儿子，儿子在爷爷奶奶家睡着了，劳累的他在儿子身边睡下。而爷爷从他的包里发现了机票，猜到他的打算。等到他醒来带着儿子告别时，知道这是永别的爷爷那内敛而充满着情感的一句“再见”，那一个对望的眼神，让人泪流满面。祖孙三代将父子之间“依恋——对抗——反思——理解”的复杂关系演绎的相当动人。

　　3

　　本片选择Russell Crowe当男主角，是对他演技的信任，能如他在《美丽心灵》里的层次丰富，和《洛城机密》里的拳脚利落的男演员，即使在好莱坞也不多。《危情三日》走的是正宗商业片的路子，这也就决定了不能单靠剧情的张力卖座。影片的后大半部分篇幅是很有技术性地讲述一个越狱的故事。

　　当然，不同于肖申克的安迪和狐狸河的史沟飞，身为社区大学教师的丈夫没上述二人牛逼。他身为普通人，却要完成“在监狱外帮一个没有合谋过的女杀人犯从市区的监狱越狱”这项技术难度高到爆的任务。这种“明知不可为而为之”的做法，将丈夫对妻子的爱推到了最高的地步。

　　而之后的越狱过程，是影片剧情中相当有技术含量的一部分，没有任何专业技能和特殊能力的人去越狱，倒是其它影片中没有涉及过的题材。也是一大商业卖点。丈夫靠着咨询高手、网上学教程这种极具时代感的方式，一步一步实施着他的计划。但买假身份证明被打，实验钥匙险些被抓吓得直吐。种种真实中体现着艰难，当然剧情如果按这样发展下去，丈夫在挫折和不断逼近的最后期限中崩溃，更加符合真实情况，也更能深入探讨人性。但这样做一来浪费了Russell Crowe的好身手，二来买票的观众也就不愿意了。于是有了后半部分不逊于同题材大片的越狱戏码。

　　最后的三天，从丈夫去抢劫毒贩开始，就开始主打商业片的另外一个卖点：动作和悬念了。我们不用管Russell Crowe专业的射击技能是否合理，为啥能做出天衣无缝的计划。只管看好看的剧情和场面就算了。虽然最后的整个走向是俗套中的俗套，所有手法(无论剧中人物的还是主创的)都可以在其他片中找到先例。但那段巨长无比的逃亡戏却非常能抓住观众的心。由于前面的情感铺垫非常出色，所有的观众都对这个极品好男人有了极大的认同感。因而在这段时间和空间上都很有广度的逃亡戏中，观众一方面有对丈夫之前行为解密的快感，而更加直接的快感来自于对这一家人能否成功逃走的悬念和期待。这段戏也成为了我最近观影体验中最惴惴不安，最有刺激感的一次。

　　逃亡过程中妻子发现见不到儿子时跳车的一场戏更是神来之笔，一方面母子之间的情感和疏远是一个扣子，在此得到了解开。而且两个人停下车在阳光草地上安静地坐下，也舒缓了情绪，为下一波刺激积蓄能量。举这个例子是为了说明此片在电影技术上的出色，节奏的良好把握和细节的雕琢，再加上打动人心的情感，和在此情感铺垫下带给人地强烈紧张感，这差不多是商业片能给观众最好的观影体验了。

　　4

　　本片的结尾略嫌拖沓，放在其他片子里，最后一家三口在委内瑞拉幸福地生活下去就完了。但本片又用了好多篇幅来讲警察的调查，甚至还原了案发当晚的真实情况，但这其实是情感上最后、也是最美好的释放点。之前一直保留着到底是不是她做的的悬念，而当真相大白，丈夫的无条件的相信是正确的时，这样的设置比开放式或者黑暗的结尾都好的太多，也更加隽永。

　　因为，正如我一直说的，本片最打动我的就是丈夫的“我相信”。尽管基于这个理想主义的信念，他做了许多常人看起来的傻事,会把一切都搞糟的傻事，如果不是运气出奇的好，恐怕早就多了两条冤魂和一个孤儿了。但他最初的信念，对美好和爱的坚持到底是对是错呢?影片给了我们一个坚定的答案：对，就应该这样。这就是这部类型片能够给我们的：完美的观影体验和感动。不真实又怎样，电影本来就是造梦的，本来就是有关理想的。

　　这样好的片子，居然在北美票房惨败。当然我们可以历数他的缺点：人物设置除了男主角都很单薄，动作场面乏善可陈，但更直接的原因我想还是跟哈七撞车的缘故。这对于信心满满歌颂理想主义的导演不吝是当头一棒。如同生活中一样，理想主义者不知道当头挨过多少棒了。但没有关系，我相信好电影总会得到公正的评价。

　　如果说《危情三日》无论是主人公还是剧情，都是理想化了的乌托邦，本片票房的失败也验证了理想主义和现实世界始终有着无限的差距，但正如北岛在那首诗中写的：我不相信梦是假的，我不相信死无报应。我相信的，是丑恶黑暗总会过去，美好光明终将到来。我相信倒在路边的老太太不是想讹诈，我相信火车上搭话的陌生人不是骗子，我相信所有人都痛恨的事情不会是永恒的，我相信世界会变得美好如我们的想象。尽管要学会不那么天真，尽管知道有时要避让。但对于所有的美好、期待、爱和善良，我只会用一种态度去对待，那就是：

　　我相信。

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《游客》：其实我谋划的是一场爱情-《致命伴侣》

a@b.com (暴暴) — Mon, 28 Feb 2011 00:00:55 +0800

文：Teaya
　　朱莉+德普，你觉得你这辈子能有几次机会见到这两个性感肉弹联袂演出?两人组合成的美妙画面弥漫着若有若无的挑逗气息在和威尼斯的美景融合后让电影院里不时响起吞口水的声音，当然其中也有我的。不知道导演是如何邀请到两大牌加盟这类中等制作的影片，这种级别的演员若没有这种级别的导演压阵，结果多数会很尴尬，IMDb上的6.0是两极分化的评分结果，粉丝能给10分，不买账的给2分的都有。个人觉得若少了这两人的加盟这电影也许并不出彩，但剧本绝对没有到惨不忍睹的地步，怎么说也有05年法版的《逃之夭夭》在先。没有特效，没有花俏的叙事方法，《游客》确实是个很老派的电影。不要期待一个悬疑惊悚片，这是个彻头彻尾的爱情片，节奏把握得刚好，故事条理清晰，为数不多的小悬念也给电影加分，摄影自然是美得没话说，随便截出一张都能当壁纸。

　　期待朱莉和德普发生天雷勾动地火画面的同学们要失望了，全片纯洁到只有两个吻戏，两人总是在不动声色地挑逗着，摄像机也跟着暧昧着，各位只能跟着德普一起 YY下神交了。大家都说朱莉老了，皱纹多了，人也太瘦了，但女王的气场却是有增无减，性感又优雅，美得像画中人，虽然表演还是一贯的风格，但也是一贯的水准。女生们注意了，片中女王的每一套衣服都是典范哪。德普演个淳朴好骗的数学老师确实缺乏说服力，不是他演得不像，是人长得太正了，不经意间又流露出些许邪魅的性感，哪怕他穿着我爷爷那样的睡衣爬屋顶，我都觉得是杰克船长附身了。德普和朱莉红得是有根有据的，除了美得人神共愤的外表，还有扎扎实实的演技，这点是无论你喜不喜欢他们都无法否认的。片里朱莉的角色有些局限，一个美艳孤傲的特工，勾魂摄魄，本色演出就像喝茶一般容易，最后一场戏冰山美人总算演些失控的场面。德普把一个单纯男人的渴望，窘迫，执着和面对朱莉的卑怯都演出来，最后英雄救美的强势回归终于让这个角色翻身了。

　　你以为我费尽心机谋划的是一场栽赃，其实我谋划的是一场爱情，检验的是你究竟能不能认出现在的我，检验自己能为你做到什么地步。两次爱上同一个人，感谢命运再次把你带到我面前，分秒不差，这也许是恋人间的心灵感应。百般算计最后能重新拥有你，那么一切都值得。可能是感冒得太严重了，只带眼睛不带脑看这片，本人其实被结局感动了下。当知道了德普的真实身份，回味下他说过的一些台词，想到的就不是傻气了，而是感动。

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将爱情进行到底-将爱

a@b.com (暴暴) — Sun, 20 Feb 2011 00:55:09 +0800

《将爱情进行到底》是专门为情人节打造的电影，最典型的契合是那些穿插在其中的情侣采访VCR画面，但我觉得这倒未必是一部适合正在携手或漫步或跋涉在人生路上的亲密爱人看的电影，他更适合有故事的人去看，如果在你的心底至今还保留着对一些尘封情事的些许眷恋，或许《将爱》能够让记忆的涓涓细流带给你片刻的战栗。将爱情进行到底仅仅是一个美好的祈愿，但尽管这是一个速食爱情和功利婚姻泛滥年代，情感的保质期也许并不像你所想象的那么短。

　　当影片开始，高亢的《等你爱我》的歌声一响起，我的鸡皮疙瘩就起来了。12年前看电视剧《将爱情进行到底》的时候，我绝不会想到有一天我会在电影院中重温这个旋律，那个世纪末的感动和光阴荏苒的沧桑，此时此刻依稀就在眼前。因此，《将爱》是一部需要调动很多情感储备才能全情投入的电影。当年的电视剧可以算做内地第一部真正意义的青春偶像剧，尽管是翻版日本电视剧《爱情白皮书》的，但其中所传达的校园爱情的青涩美好以及初涉社会的困惑挣扎，还是在当时取得了广泛的社会共鸣。虽然当时我已远离校园，但那个世纪末因这个迷惘青春式的表述而产生的心灵悸动和五味杂陈，我依旧可以触摸得到。

　　电影《将爱》依旧凸显了这种美好过往与残酷现实之间的对比，而千疮百孔的婚姻与瞬间永恒的爱情之间的双重背叛，更是让影片成为了一个实际上的爱的悖论，到底是要将初恋进行到底还是要将婚姻进行到底?而当寄托了对纯真年代的清澈遐想的初恋变成了婚姻，是否也会变得乏味以致狰狞?观看影片时，杨峥在远离文慧的日子里仍然年复一年地用收集大海的声音的方式来坚守自己对初恋的承诺让我很感动，这种强迫症式的情感依赖和存续方式如圣徒般令人尊敬和感伤，因为只有亲身经历过的人才知道那种无奈和窒息感。但是回想一下影片的上海段落，看海同样也是杨峥对爱人的承诺，但一直到婚姻走向破裂边缘，他的这个承诺也没有实现，这里花洒的喷水声和洗衣机的搅动声构成了影片最黑色幽默的一幕，初恋代表着爱的期许，婚姻代表着爱的代价，这两者相差到底有多远?从这个意义上来说，杨峥的发妻何尝不是昔日的文慧呢?换句话说，昔日的文慧如果嫁给了杨峥，有何尝不能变成今日被失信的发妻呢?初恋的美好与婚姻的美满并不是一种必然的因果关系。影片最后文慧是否能和杨峥一起走并没有实际意义，忍耐现实婚姻的乏味和维护回忆中初恋的美好，本来就可以成为生命中并行不悖的两种情感存续方式，同床异梦看似是对婚姻的不道德，但在某种意义上来说却是对自己感情经历的忠诚。当然，底线是不要让梦与现实彼此拆台就好。所以我说，《将爱》其实是一部伪情人节电影，其杀伤力在于策动了爱情与婚姻的互相颠覆。

　　《将爱》在结构上分为三个部分，最不喜欢的是第一段落，尽管拍得很炫很迷离，但我无法认同银幕上是记忆中的杨峥和文慧，我看到的只是李亚鹏和徐静蕾，最大的惊喜在于宁浩的客串。但是我非常喜欢第二段落，终于有一部内地电影可以对成年男女的情欲和性事做正面展现和调侃了，而且采用的是非常电影化的手段，以宾馆蹦床作为前戏，以三次失败的偷情作为主干，穿插了现实得近乎猥琐的喜剧桥段，毫无一般爱情电影的矫饰和伪崇高，这在内地都市爱情电影中是开风气之先的。尤其是文慧在类似情境下那两句台词的奇妙对应，“我喜欢你”和“跟我回家吧”，涵盖了所有的沧桑和成长。

　　有的电影，不能简单地作为一部电影来看，它是一道门，门背后是被自己封存甚至遗忘的记忆，走进去，会融化在那已经远去的阳光灿烂中，当然前提是你是个有梦有故事的人。《将爱》就是这样的一部电影，就像片中陈奕迅唱的，是一张刻满了老歌的CD……

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关于善良的故事-小胖妞2

a@b.com (暴暴) — Fri, 28 Jan 2011 03:39:50 +0800

我曾天真的以为爱与和平就是一切的希望,直到你告诉我,事情的真相。
当我束手无策准备就擒的时候，你义务反顾挺身而出，为了善良你拿起你的橡皮，舞起了我的2B铅笔，最终还是不敌世俗的榴莲，我想害你却发现自己变成你的人了。爱与和平就是希望，我们共同努力就要取得胜利的时候，我不得不离开，因为那个王子不是你值得托付的人，对不起，我亲爱的善良的小胖妞。

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当你真正感到痛，才会知道「痛」是什么？-『告白』

a@b.com (暴暴) — Sun, 23 Jan 2011 02:40:55 +0800

文：愛永

　　我没有看塬着小说，就先看了松隆子的电影『告白』。所以，从她的第一场告白开始，一直到每个人各自的告白，我始终处于一种高度震慑的状态，过程中亦不自觉数次深唿吸，直至剧终，精神依旧紧绷。很难具体形容电影有多锐利?却隐约感到它一刀切开人们内心底层对世界的困惑，将所有黑暗的秘密沿着人性底层，一层又一层的切开。

　　看完电影的后劲极强，整个下午都有着难以排遣的焦灼感，感觉整个世界不断扩张，我看到的不再只是电影中莫名残酷的黑暗，而是黑暗尽头被更巨大的光芒所包围的世界。我庆幸自己还有感觉，还有能力往悲剧的源头探索。

　　奇妙的是，此刻的我，竟以平静的心情想起整个故事，我忽然明白为何遭逢剧恸的初中女老师(松隆子)能以如此沉着的态度面对，因为当人承受了难以想像的变故时，所有情绪会瞬间煺回内心深处，独留清澈双眼看尽复杂人性背后一目瞭然的自私与残酷。

　　电影中，每个人的告白不约而同掀开了人性底层最阴暗且最脆弱的一面：以自己的方式制裁学生的女老师(她无法接受残酷杀害她四岁女儿的学生在法律的保障下毫髮无伤);从不懂得尊重生命的天才少年A(他得不到母爱，因而任意践踏他人的生命);胆小如鼠却犯下大错的自卑少年B(他想证明自己并非别人眼中胆怯无用的少年);一味溺爱儿子少年B的母亲(儿子犯下滔天大罪，她仍坚持儿子只是被不良同学带坏);品学兼优却阴暗无比的少女(她看清了人强悍背后的软弱，却再也找不到生命的意义)。

　　他们每个人看起来都与常人无异，内心的告白却都如此惊人，这就好比每个人都有不为人知的阴暗，阴暗包含了所有大大小小的伤口：童年的创伤，成长过程的阴影，以及被人残酷对待的烙印。当阴暗毫无遮掩的被摊在阳光下，心中的弱点也将一揽无遗，赫然发现残酷的背后，是一个又一个受伤的灵魂。无法接受自己不被爱的事实，因而夺人所爱，伤人所爱。然而，受伤并不能变成伤人的藉口，一个必须藉由伤害别人以证明自己存在的人，只是更加突显了他的自私与脆弱。

　　【错了就是错了，没有任何藉口】

　　我想起电影第一个让我不寒而慄的画面：松隆子以平静的语气对台下学生讲述女儿被杀害的过程，学生们只稍试停顿，又继续嬉闹。彷彿只是死了一隻蚂蚁那么简单，对他们并不造成任何影响。那种事不关己的冷漠态度，不难理解为何会有层出不穷的校园霸凌事件，只要不是欺负到自己头上，他们没有任何感觉。

　　没有感觉，怎么可能感同身受;没有感觉，有时连冷眼旁观都觉多余。那种集体的冷酷，开始由内而外不断幅射，故作强大的软弱者，欺负比自己更弱小的人;被欺负到底的人，则以扭曲的方式证明自己的存在。

　　于是，大错铸成。

　　可笑的是，在法律的保护之下，未成年的他们即便被判定有罪，也能轻而易举的重返社会，随时随地都能得到重生的机会。

　　因此，本来就对生命的存在没有感觉的他们更加有恃无恐，伤害他人，以别人的痛苦为乐，竟变成一件稀鬆平常的事。

　　以此逻辑推想，杀一个人真的没什么。

　　而造成青少年如此冷漠偏差的帮兇不是别人，正是整个社会与家庭。

　　法律的偏袒，家庭的溺爱，再加上学校的纵容，使他们无需为自己的犯行付出代价，甚至不觉自己有错，并习以为常的把错误推到别人身上：少年A虐待猫狗，伤害别人，只是为了得到他最爱的母亲的注意;少年B杀害小女孩，谁叫所有人都说他没用。少年B的母亲不但不怪他，反而责怪别人对他儿子的不公平对待。

　　他们都是潜意识上的“被害者”，得不到别人的重视，感受不到爱，进而变成加害者，但心裡感觉被伤害，不代表可以任意伤害别人，取走别人心裡重要的东西。

　　错了，就是错了，没有任何藉口;错了，就应该为此付出代价。

　　所有以自我为出发点对他人进行的迫害，都不该轻易获得塬谅，这不是几岁的问题，而是心态的问题。

　　【爱的教育，真的是以“爱”为出发点吗?】

　　另一个让我印象深刻的部分是：电影深深讽刺了所谓『爱的教育』。

　　电影中取代松隆子的是一个热血的年轻男老师，他实行的就是爱的教育。他想和每位学生当朋友，天真的以为只要和学生成为朋友就能懂他们的内心世界。然而，一无所知的他，却彻底成为每个学生心中的大笨蛋。

　　记得日剧『女王的教室』中，魔鬼女老师曾冷冷地讽刺一味讨好学生的女老师并不是为学生好，而是在为自己好，当时感觉这番话真是一针见血。仔细想想，没有老师不喜欢受到学生欢迎，但想受学生欢迎就必须放下身段，适度迎合学生的喜好。

　　可是，这样真的是对学生好吗?在他们心智发展尚未成熟，内在却已开始反叛的阶段，如果他们犯错的时候只是苦口婆心的劝导，会有任何警惕作用吗?我认为“亦师亦友”是师生关係的理想境界，不是不可能，但只会发生在心智成熟的学生身上。中国教育非常重视师生之间的伦理，强调『尊师重道』，现在想来不无道理，一个老师如果无法获得学生的尊重，他讲的话就起不了任何作用，又怎么可能给学生好的影响。

　　就像电影中的热血男老师，空有满腔教学热忱，自以为和学生很麻吉，但事实上他根本打动不了任何学生，所有人对他阳奉阴违，完全没把他摆在眼裡。他不但进不了学生的内心世界，还像是活在另一个世界的人。

　　爱的教育，如果无法以真正了解为前提，将完全起不了任何作用，只是一种口号式的理想主义罢了。

　　我想起初中时唸的教会学校，当时学校开始禁止体罚，学生考不好或犯错，老师只能口头劝说。正当所有学生开心大解放的同时，我们导师是唯一不遵守规定的老师，他的理由我至今都记得：

　　『我的班上没有爱的教育那一套，错了就该打，只是说一说，你们根本不痛不痒。不感到痛，你们不会记住错。』

　　后来，老师果然说到做到，犯错照打，考试不及格也打，我们上班导的课就像女王教室的小学生一样，整天战战兢兢，功课也丝毫不敢马虎，每次想偷懒，一想到藤条落在身上的疼痛就立刻清醒。

　　最后，我们班不管在各方面都是全年级第一名。老师没有实行爱的教育，却让我清楚记得：想成功，就要付出努力，做错事，就得付出代价，没有人能轻易获得塬谅，这才是公平。

　　再后来，我自己也当了老师，一开始，还不太会当老师，总不自觉替学生找藉口，却也挫折的发现学生越来越差：你越尊重他，他越目中无人，完全不当一回事。

　　那一瞬间，我突然想起初中导师的话：不感到痛，你们不会记住错。

　　于是，我重新调整教学的步调，开始订好课堂规矩，并严格执行：作业迟交一週扣十分，第二次就直接零分。效果立竿见影，以往老是收不齐的作业，隔週就全数收齐了。

　　我想以对所有学生公平的前提做为当老师的塬则，即使不能面面俱到，但至少儘量不偏私，不替学生找藉口，更不让学生把老师的好当成无所谓的理由。太轻易的塬谅，只会让他们对错误没有感觉，真的只有零分一次，下次才会记得要準时交作业。

　　任何事由小看大，準时交作业事小，但只有把小事当一回事，才不会把“尊重别人”和“珍惜生命”这等大事，当成可有可无的小事。

　　电影中，年轻男老师的爱的教育和松隆子犯错就要付出代价的教育方式，形成强烈对比。也许每个老师都曾相信人性，相信爱的教育的可行性，然而，事实证明：人，远比我们想像中更复杂，更难以理解。

　　重点不是教育的方式，而是教育的目的。想教出一个思想光明，善良正直的孩子，就必须在他犯错的当下让他牢记自己的错误，而不是自我催眠的乐观相信他下次一定会改。与其相信明天晴天不如未雨绸缪，你告诉他一百次生命珍贵，失去重要的东西会很痛，他一样不会有任何感觉，但你只要让他亲自体会一次失去重要东西的感觉，他就会明白「痛」是什么，并永远记住痛的感觉。

　　说来残酷，可就是人性啊!如果所受的教育和国家法律都保护不了我们心中重要的人，以暴制暴，以其人之道还治其人之身，似乎就是唯一的方法。

　　让他记得：所有的痛苦都是自己造成，如果不是心存恶念，就不会产生苦果。

　　【真正的光明，必定来自阴暗深处】

　　渐渐的，我们不再只看到表面光明的世界，而是真正处于阴暗之境，看见光影交织的世界中，善与恶如影随形的真貌。我们不必强迫自己一心向善，如果恶也是本质的部分(包括后天被伤害形成的阴影)。

　　有人说，电影中的女老师不该这样对自己的学生，我觉得这说法太强人所难了，只看到她身为老师的部分，却忽略了她也是痛失爱女的平凡母亲。再说，老师也是人，以超高的道德标準定义她，这也未免有失公平。

　　每次看到『废死联盟』高举要受害者家属放下塬谅的旗帜，我都觉得荒谬可笑，凭什么加害者轻易就能得到重生，而被害者就得无辜枉死，家属还得揹负一辈子的伤痛。媒体又总是倾向加害者也许情有可塬的方向误导观众，却忽略了所有的情有可塬都不能当作伤害他人的藉口。

　　试问，今天如果被害的是你的女儿，还能轻易说出塬谅或放下吗?我们整个社会不知不觉变成共犯结构，总有事不关己的人试图在别人的悲剧中以悲天悯人的姿态插上一角。在我看来，对加害者的过度宽容如同对被害者的二度伤害，如果做错事，只要表面认错就能得到塬谅，这世界还有什么公理正义可言?

　　任何一个人都难以承受失去挚爱的痛苦，因此，我完全理解女老师后来的行径：她以冷静武装自己，不带丝毫情感，一步步为女儿讨回公道。

　　太过悲伤的际遇也预示着生命的无常，儘管无常经常是人为造成。

　　最后，当我看到松隆子从头到尾冷到极致的神情融化在小男孩送的糖果中，那一刻，小孩的纯真与糖果的甜彷彿一道暖流，同时流过我紧绷的心，我终于在这个忧伤的故事裡看到一束光，不冷不热的温度，足以流下温热的泪，这样就好。

　　没有人希望世界变得如此糟，但如果糟糕已成世界常态，我们也不必自欺欺人的说：我只看到太阳，哪来的阴暗?

　　没有太阳的世界的确很冷，但我们可以换个角度想：真正的光明，必定来自阴暗处。当我们能无所畏惧的在阴暗处张大双眼，也许，久违的阳光就不远了。

　　塬文发表于：http://blog.sina.com.cn/aiyung

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《观音山》：心灵废墟的重建

a@b.com (暴暴) — Fri, 14 Jan 2011 02:06:34 +0800

　　文/公元1874

　　我到现在还记得，多年前第一次看《红颜》时候的经历。那是一个不怎么冷的冬天夜里，我和好友下班后去逛了平常去的碟店，在店里看到了这张名为《红颜》的盗版碟，出于对国产电影尤其是比较小众的电影的关注，我买下，然后回家。

　　几年后，我再次以同样的经历，在另一个下班的夜里，和另一个朋友，在另一个城市的另一个碟店买到《苹果》的盗版碟。封面上依然印着导演李玉的名字，除此之外，还有范冰冰望着镜头，一脸的茫然。

　　又过了几年，到了今昔，我在一个神奇的观影环境下，看完了尚未最终制作完成的《观音山》。当我看完《观音山》之后，心里泛起了和当年看《红颜》《苹果》时一样的情绪：那是一种复杂的、莫名的、带着一点难受、一点憋屈、一点不想说话，只想静下来慢慢回味的感觉。

　　我记得的当时看的《苹果》，片名打出的是“Lost in beijing”。这个电影已经有着太多的新闻和八卦围绕，当年在纷纷扰扰之中，莫名的造就了一个诡异的状况;如今数年过去，那些新闻八卦已经流逝，无人提及，而让我记起的，则是影片在摇晃的镜头里拍摄的北京：风大，有沙，很大的路，很大的城市。看似可触摸，其实离你很远，让你难以靠近它，难以认清它，难以了解它。

　　是以，“迷失”。

　　这就是李玉拍摄城市的感觉。《观音山》里的四川城市----都江堰也好，成都也罢，抑或乐山，影片没有刻意的体现出这座城市的地标，其实可以抽象的看做集结西南城市为一体的“某城”。在《苹果》里，北京是冷的，冷到极致，不会给观众带来丝毫的温暖感受;而数年后，李玉镜头下的《观音山》，则在冷冷的氛围里，带上了一丝慰藉观众心灵的余温。

　　如果用一句话来概括整部电影，那就是----“三个高考落榜的打工仔和房东老太太之间的那点事”。这部电影在叙事上没有太强势的剧情，这是《观音山》和《红颜》《苹果》最大的区别，后两者都是有点“知音”体的奇情社会新闻稿，而《观音山》的故事，非常的生活，非常的真实，当中的那些角色，都是真实存在的普通人，就生活在你的身边。

　　刚开始工作的时候，我也曾经和人一起合租，承担在北京不菲的房费。最多的一次，和7个人合租三室一厅，那样的群居生活，着实是一次当下大多数年轻必经的生活体验。所以当我看着影片里，范冰冰、陈柏霖和肥龙饰演的三个年轻人合租在一起的段落时，总让我自己回忆起那段时光。在国产电影描述年轻人的作品里，我很少见到这样的真实故事，大多的则是像《杜拉拉升职记》《爱出色》那样，主角永远衣食无忧，哪怕一个月只有几千的工资，依然可以住得宽宽敞敞，穿着名牌衣服，生气了就能刷卡买辆车，闷了就去国外度个假。不真实，虚伪做作，主创给观众看的，是有中国特色的意淫片。所以，我对李玉能如此真实的拍摄中国当下社会，大部分年轻人的真实生活状态，感到非常的欣慰。因为像她这样能够正视大众真实生活的导演，国内委实不多。

　　《观音山》这部电影，前半段一直在展现范冰冰饰演的南风等人的生活状态，所以一开始我以为这是一部讲述年轻人的青春片。但等到中段，张艾嘉饰演的中年丧子的常月琴出现的时候，我一下子疑惑了：这是一条完全和南风无关的故事线，加入目的为何，莫非导演是想表达常月琴和南风这两个无论是年龄、生活状态还是世界观完全不同的人如何在朝夕相处之下互相改变的过程?再看下去，等到南风扒火车去观音山，再到常月琴和南风看着汶川地震后的废墟的时候，我隐隐约约感受到了导演的意图。再看到尾端，一行人合力将破败的观音庙重新修葺完毕的时候，那一刻我终于感悟到《观音山》想传递给观众的，究竟是什么。

　　我非常喜欢影片里的三个段落。第一个，是南风三人扒火车，跟着火车穿梭在西南山区里的段落。如果和我一样，在西南生活过很多年的人，应该能够明白火车对于西南人不一样的意义。西南山多，雨多，如我所在的贵州，向来有“地无三尺平，天无三日晴”的谚语，山多，造就了火车铁轨的难修，所以在西南坐火车，会经历无数的隧道。这些隧道打通了拦住路轨的整座山，小时候的我，一直惊叹修路工人的力量。《观音山》里，南风三人坐在火车上，随着火车一起穿梭在那些隧道里，画面时而全黑，时而反白，南风的头发则随着风飘逸散乱。没有比这更能击中我的了，小时候和朋友一起扒火车、幻想随着火车去到天涯海角的那些点点滴滴回忆，一起涌上了我的心头。我相信导演和编剧一定也曾经有过这样的经历，所以才能把这段很容易拍得小资、拍得装逼、拍成“披着长发、沿着铁轨流浪”的戏，拍得如此的真实、如此的不矫揉造作。

　　第二个段落，是常月琴在儿子的生日加忌日，斥责捧着蛋糕，前来找常月琴的准儿媳。因为要给男朋友庆祝生日，玩了一个疯狂的举动。最终导致了自己失去一条腿，而常月琴则永远失去了自己的儿子。这对二人来说，都是悲剧，这段戏也是全片情感爆发得最激烈的一个场面。常月琴面对儿子的女朋友，自己的准儿媳，大声的吼道：“你拿着这个蛋糕来，来我家，是想做什么?是想提醒我，今天是我儿子的生日，是我儿子的忌日?!”我看的时候，很害怕导演将其处理得狗血化，例如常月琴会在下一个镜头，捧着蛋糕，狠狠的摔在姑娘的身上。这的确是很戏剧化也很常规的一种剧情，但是，这不是真实生活里，真实的人会干的事，因为像常月琴这样勤俭持家的女人，是不可能如此糟蹋东西的。所幸，李玉导演也没有这样去安排桥段，常月琴捧着蛋糕，也没有摔到对方身上，也没有扔到地上。这也是我觉得《观音山》优秀的地方：它没有刻意的制造大悲大喜，也没有狗血淋头的剧情桥段，整部电影里的诸多细节，都是真实而动人的。真实，是现在的中国电影，最缺乏的东西。

　　第三个段落，是常月琴和南风一行人，重游地震旧址之后，在观音山上与寺庙里的和尚合力修葺好观音菩萨的过程。看到地震出现的这个段落也让我大为触动，因为这场地震是所有西南人的一个噩梦，我身边的许多家庭都因为地震而改变了人生轨迹，所以当大银幕上再度重现当时地震的那些真实镜头的时候，我的鼻子再次泛起阵阵酸意。影片里，常月琴用一种悲悯的眼神看着这片废墟，身外，是许多人真实的苦痛;心内，常月琴正在无时不刻不受着如斯的煎熬。

　　所以，电影最后安排了几人重修观音庙的段落。观音山是一个点题的坐标，这座名为观音的大山，也和千千万万的西南人一起经历了地震，庙倒了，观音也被毁掉，南风和常月琴一起重修了观音庙，在这个过程里，她们都开始试着逐渐的走出各自的心灵困境。

　　当然，于我这样的观众而言，看这段戏还有另一种猎奇的心态，那就是看看，观音菩萨究竟是怎么做成的。踩泥，撒木屑，绘色……再加上寺庙和尚淡淡的解说，与观音山优美的风景，这段戏足以令观众的心灵，得到一次瑟静的慰藉。

　　李玉是一直拍摄女性题材的导演，经历了《红颜》和《苹果》的大悲大喜之后，这部《观音山》让我有一种洗尽铅华的感觉，而给我这种感觉最大的角色，就是张艾嘉饰演的常月琴。这是一个退休在家的中年妇女，她的丈夫已经去世了，儿子正当壮年却横遭意外，白发人送黑发人，她每天都在折磨自己，承受着这份悲痛，唯一可以释放自己情感的，就是京剧。当她实在忍受不了这份痛苦的折磨，选择割腕来结束生命，却意外的被南风救起之后，在死亡边缘游历过的她，开始试着重新的感受生活。张艾嘉在影片里的表现相当出色，尤其是最后在观音山与和尚的对话，老资历演员的功底显露无疑。

　　而全片突破最大的，就是饰演南风的范冰冰。我在看电影之前，一直对她能否饰演一个20岁的高考落榜生表示疑惑，看完电影之后，这种感觉不复存在。影片里的范冰冰，要去饰演的是一个父亲早死，母亲改嫁，继父却是一个酒鬼，常年酗酒到住院的程度，眼不见心不烦的她跑到另外的城市去独自生活，在酒吧卖唱。这是一个和范冰冰自己的生活经历完全不相干的角色，而这个角色本身是没有多少大的戏剧起伏去表现的，因为她要表现的是一个在真实社会里生活的人，所以范冰冰必须要像在拍纪录片一样，去展现南风这个角色的生活状态。而李玉又在许多戏里设置了一种自然的拍摄方法，没有给出具体的剧本和走向，一切靠演员自己发挥。这其实是一种非常危险的举动，因为这意味着谁都无法控制拍摄局面，如果演员出一点问题，那么整场戏也就会拍砸。但是范冰冰的演出让我大为惊叹，影片里她替肥龙出头和人谈判、在酒吧卖唱自HIGH、在家里的群居生活，那些生活的点滴细节展现在大银幕上的状态都是如此的真实，让我几乎有一种范冰冰就是这样的人，她就是在这样生活的感觉。我不敢说《观音山》是范冰冰演得最棒的一部电影，但这绝对是让我对她印象最深刻的一部电影，印象深刻到我简直觉得，和过去在大银幕上看到的她不是一个人在演。《观音山》再次证明两件事：一，好演员，终归是要发光的;二，遇到合适的导演，好演员才能发光。

　　《观音山》放弃了大悲大喜的戏剧桥段，用一种近似白描的手法，来展现了当下年轻人里，某种群体的生活状态;又用常月琴这个角色和南风的碰撞，来勾勒出两代人的融合与交流;再用观音山，来点出了主题：真实世界里的废墟可以重来，可以焕然一新，而心灵的废墟，应该如何重建呢?代表老一代的常月琴，最终再次选择了离去，她的身影消失在观音山，得到了大慈大悲，普救人间疾苦的观音的救度;而代表年轻一代的南风，则在观音山获得了新生，她抛低了种种纷繁的往事，走向新的生活。动静二相，了然不生，欲断众生诸苦恼故，欲众生住安乐故。这，就是我在《观音山》里，领悟到的道理。

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一个心理咨询师看《太阳照常升起》

a@b.com (暴暴) — Mon, 27 Dec 2010 00:34:11 +0800

心理意象的大师级电影

　　我和姜文一样都是60年代出生的人，我是怀着惊喜看完整部影片的，我觉得很震撼，这部影片太超前了，它的价值在10年甚至更多年以后，人们一定还会再次提起它，它的价值不会随着时间的流逝而黯然。我为什么会这么说呢?因为，它符合心理学和人性的很多东西。作为一个心理咨询师，我要把自己对《太阳照常升起》的理解写出来，特别是想把我对影片里带有意向色彩的镜头说出来，和大家做一个电影和心理学的探讨和分享。

　　首先，时空上：

　　大家要搞清楚本片的时空关系。《太阳照常升起》电影不是按我们所熟悉的时空顺序来进行的，这部影片是用倒叙的时空交错的手法讲故事的，整部影片两个小时，用了四个大时空段落来讲一个故事，影片一开始，第一段，简称1，小队长在唐老师夫妇来村里前和自家妈妈的生活故事，第二段，简称2，唐老师下放前和梁老师林大夫的学校生活片段，第三段，简称3，唐老师夫妻下放后在小队长家乡时和小队长接触的生活，第四段，简称4，写妈妈和唐嫂她们年轻时，曾经一起追寻各自爱的路上的经历和小队长出生时的情景。

　　电影是按1---》2—》3----》4段落时空背景进行的，可在我们认知的现实中，影片所发生的事情的时间顺序，应该是按照4---》1----2----》3的时空发生的，其中1和2是在不同的空间，相同的时间并列发生的。我想，由于姜文刻意颠倒时间来讲故事，很多人对时空错位的叙事方式产生不适应，恐怕是很多人对影片故事产生不理解的原因之一吧。

　　其次，《太阳照常升起》这部影片运用了大量的意象性镜头，对于心理学中的意象和符号学还不是太了解的广大观众，自然就无法感受也谈不上去尽情享受姜文在《太阳照常升起》这部影片中所尝试运用的电影语言了，运用意象进行对话，是近代心理学的一个热点话题，也是一个流派，所谓意象，从一开始就属于中国古代美学范畴。意，指心意;象，指物象。意象即对象的感性形象与自己的心意状态融合而成的蕴于胸中的具体形象。如画松竹梅，就代表了作者崇尚一种清廉高洁的品质，该词原为哲学概念。南朝梁刘勰在《文心雕龙》中首次将其用于艺术创造，指出“独照之匠，窥意象而运斤”，说明构思时须将外物形象与意趣、情感融合起来，以形成审美意象。

　　姜文电影中的意象，构成一种意境的各个事物，如妈上树，石头砌成的房子，树，石头等这种事物，与其说带有姜文主观的情感，倒不如说，影片中这些意象组合起来，不是构成了姜文的意境;其实，是心理学的意象在姜文电影中的呈现。

　　对心理学中的投射法和意象多少了解一些的人，都会欣赏姜文对人物在心理学层面上的超前觉悟和学习力，并感谢他为探求意象符号语言和电影的结合对于人物心理刻画所做的积极努力。

　　下面，我就按影片进行的顺序，将我看到的意象性镜头语言符号和大家做一个分享吧。

　　1. 脚

　　影片一开始就是一双肥润的女人脚，它在洗脚盆中的水被阳光照射而折反出的绝美光影的衬托下被拍的很有灵性，从它踏上土地后，镜头长时间的跟踪拍摄这双脚，很多人对脚是有偏爱的，不是有恋足癖一说吗，姜文用这种方式，从影片一开时他就告诉大家，我的这部影片和性有关系，和性情、性交、性压抑，性解放、性疏导等等，都有关系。

　　2.鞋

　　有了脚，一定会有鞋，农村小队长妈妈，那双肥润脚的主人，穷的却没有鞋穿。鞋在符号学里有时候是代表“性”的，这说明，小队长的妈妈在性上是有缺失的，是有需求的，是极端压抑的。当她捧着那双带有两只活灵活现的鱼眼睛的鞋时。姜文要告诉我们的也许只能有一种解释，妈的生命力也需要爱，需要她心灵深处情感的一种释放。因为，从我们挖掘出的夏商时期的陶器，我们的先人就把鱼作为一种性的图腾来崇拜，鱼代表多子多福。

　　3.树

　　树是生命的象征，在艺术类心理咨询和治疗方法中，其中就有咨询师让来访者画树的情景，咨询师通过对来访者画的树的形象和构图笔法的分析，以此可以进一步了解求助者内心世界的潜意识甚至是无意识状态。

　　影片中，当妈把她的鞋放到树上丢失后，就意味着她的生命里从没有性的滋润到甚至也失去了性爱的生命活力的幻想。但妈并没有自认倒霉，而是爬到她自己赋予自己生命灵魂的树上，用近乎疯狂的呐喊，来宣泄自己压抑已久的生命的能量和对美好幸福的希望及幻想。树在影片中，就是我们每一个人的生命形象符号，因为在我们每一个人的心目中，我们每一个人都有一棵属于自己的树。

　　4.石头

　　石头在心理学的绘画疗法中，一个人的画上如果有石头，就代表一个人曾经的创伤经历或现实遇到的困难，那是一个个的心结的投射。石头越多越大，代表的心中的阴影就越多越大。

　　影片中，妈在认为属于自己的生命之树的树的四周挖出了很多石头，很多人感到那是一个疯子的行为，其实，对于有心理学知识的人来说就不难理解妈妈为什么这么做，姜文也借妈妈的口说出了她为什么要挖石头，因为，树根下有很多石头。所以，树长歪了，寓意生命之树的树长歪了，一定是她的内心受了伤，有了很多的心结，所以，妈妈就挖出了很多象征她自己心结的大圆石头。这也是很多观众非常不了解的一种电影语言，很多人看不懂影片，不是姜文的影片难懂，而是因为，心理学刚刚在中国兴起，很多人对心理学的知识还没有多少了解。

　　5.石头房子

　　影片中，小队长在静谧的森林里发现了一个石头堆砌的房间，在石头房里，他发现很多自己家里以前摔碎的东西，和铺着整洁被褥的床。这个房子显然是妈妈秘密建的。这又是一个典型的意象，

　　石头房子的内部，上下连通，错落有致，就像人体的心脏结构一样。

　　这个石头房子就是象征着妈的“心灵小屋”。

　　影片中，儿子好奇的打量着妈妈的心房秘密，因为，每个人心灵都是承载一生心结秘密的地方，他仿佛看见了妈妈，但每个人的心灵是不能随便进出的，更不能轻易被外人打扰。

　　小队长在石头房子里打起了喷嚏，随着他的一声声喷嚏声，油灯一个个塌了，他想拿起的每一个东西都是残破的。儿子只好逃跑似的离开了石头屋。这寓意。我们每一个人从前的心结都是不要轻易碰触的。

　　除了以上这些，影片中带有典型意象的实物还有很多，比如，枪—代表了男性生殖器也可以说成是展示男性成熟能力的象征和他们快乐的源泉：三根女性长辫子，即代表了很多的女人也可以说明代表了东西方的差异和民族。这样的寓意在《太阳照常升起》里，是有很多的。

　　影片中，还有些连贯的意向性镜头拍的也是非常出色的，比如说小队长身上经常背着的算盘，有一天，就被妈抛到了天空，算盘在蔚蓝色的天空缓慢翻腾，在落地的时候被摔得支离破碎，其中有一粒算盘珠子掉到了一碗稀稀的白米粥里。我认为，姜文在这里想表达的是，人们每天都在精打细算扒拉算盘珠子过日子，可你算来算去你算不过天，算盘在天上转一圈，落到地上，只有一粒是为我们服务的，归根到底我们都是在为自己那一碗饭而忙碌，姜文的深刻不仅在于此。又比如，当唐老师发现了妈的石屋后，他在门口扔了一个树杈，这个树杈是禁止的意思，告诉孩子们此处不能进，因为，人做事是要有良知的，人的内心世界，外人是不能轻易涉足更不能践踏的。在影片中，梁老师就用这个树杈告诉孩子们，树上的小鸟窝是不能掏的。这种人文情怀使得影片深刻而浪漫。

　　影片中妈妈的形象很有特色，很多人都认为妈是个疯子。其实，妈根本就没疯，她只是出现了一些人格障碍。首先，妈有自知力，他问自己的儿子：“我疯了吗?”儿子说：“有时候，但没疯。”妈坚定地说：“疯。”心理医生都知道，正常人和心理疾病人的最大区别是，正常人有自知力，病了就去看医生，很正常。心理病人是看谁都像病人，就自己没病，他们是拒绝就医，不承认自己有病的。其次，妈妈和儿子有一段互相摔碗的镜头，儿子大声的对妈妈说;“我不愿意上学，是我不愿意听同学说我有一个疯妈”。儿子对妈妈大声的咆哮，但妈妈一点都不生气，因为她知道，人在很压抑的时候，是需要有宣泄的，是要有个出点的。她用火柴烧孩子的手，告诉他疼是正常人的感知，也说明她的认知系统没有问题。就连妈最后的自杀，也是，妈再也不想给自己的儿子增添麻烦，为了不拖累孩子而自觉的行为。这一切都说明，。妈不疯，疯的，是那个年代的疯狂。

　　看完这部影片后，很多人对梁老师的死都有自己的理解，对这个问题还有一个思路，梁老师、唐老师都是从海外归国的华侨，梁老师是单身，弹得一手好琴，还会唱动听的歌，很多女人都喜欢他，当他抱着吉他唱歌时，厨房里的五个女人一边揉面一边摆腿，是那样的春心荡漾，梁老师也知道，林大夫也很喜欢他，可是，当他摔断腿被别人误当成流氓遭到痛打住院时，他很诧异会有女人那么疯狂地对他表达爱意，其中还有林大夫，这让他不能理解。因为，他在被众人追赶时无意中发现了唐老师和林大夫的奸情，林老师应该爱唐老师啊，他为什么还说爱自己呢?他很困惑，不明白，为什么唐老师要自己承认摸了女人，当他说请唐老师和林大夫吃饭时真相揭开了，姜文在这个时候又用了一个的镜头，那黄色的门帘在唐老师兴致勃勃的出去时，被风轻轻掀动着，黄色，在古代是皇帝的专用色，皇宫深似海，皇帝的心是最难猜的，门帘掀动了，秘密也就快被揭晓了，果然唐老师的吹号声，就是他呼唤林大夫偷情时的信号，他也理解了，当他帮林大夫拧干衣服时，当听到唐老师铜号响起时，林大夫为什么说了一句话，“讨厌，才中午啊”，是什么意思，原来，林大夫一再表白自己也看电影了，还被人摸了，只不过是在变相证明自己，她那时没有在唐老师房间，她对梁老师爱的表白，实质上是在拯救自己。

　　梁老师不愿意看到自己生活在这样一个虚伪的世界里，他走了，面对着用形形色色方式骚扰他的人，他的离去，坦荡而从容。

　　对于影片中苏联老大妈的出现，有些人也觉得莫名其妙，其实，五十年代苏联就像老大哥一样，支援帮助我们，由于意识形态的不同，中苏关系在上个世纪初破裂了，三个不同颜色的大辫子，即说明“阿辽沙”有很多知心女人，他不再想跟你这个黑辫子的小妹妹玩了，他不喜欢你了，他只给我们这个中国小妹妹留下了很多陈旧过时的光荣和梦想的精神食粮，一本苏联批判家写的书《怎么办?》，你自己看着办。小队长的妈，背走了代表自己所有梦想的阿辽沙的遗物。对自己选择的责任，妈重复说了很多遍“我知道”，就像她丢了鞋时，鸟儿不断说的“我知道，我知道”，他们知道的就是自己在需要依赖和被保护时的心灵梦想的破灭。知道了这个时代背景，就很容易了解苏联老太太出场的用意了。因为姜文就是在六十年代初这种时代背景下出生的人。小队长就是那个时代人无知压抑而又渴望美好人生的一代人的缩影。

　　以上就是我对姜文《太阳照常升起》电影的一个简单认识，今天我把它写出来，希望得到电影爱好者，心理学爱好者的批评指正。

　　同时也谢谢所有关心支持我们看电影聊心理(电影心理剧工作坊)的朋友们!

　　谢谢能把全文看完的，你们!

　　杨凯铭

　　2007.10.6.北京通州。

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《让子弹飞》的一些暗线，隐喻，野心和吹捧。-非常棒的影评

a@b.com (暴暴) — Thu, 23 Dec 2010 01:35:18 +0800

文：溪流

　　“由于对姜文过于卑躬屈膝，厚颜无耻的吹捧，该影评已被和谐。”

　　这句是我在去看电影之前，已经准备好的影评(还是抄来的)。

　　吾辈俗人，花钱去影院只图消遣。回来吹吹水，网上吐吐槽。严肃客观的评价电影于我如浮云，就是带着这么强烈的偏见去看的电影。国产片导演就那么几位。考虑到他们近年的发挥惊人地稳定，吾辈观影前，早已选择好了态度。

　　比如赵氏孤儿，陈凯歌肯定给我们带来悲剧。他就活在自己的那点小悲剧情怀里，老想拍一悲剧，还肯定又玩现了，整个一纯悲剧。我们买了电影票，聚精会神地盯着屏幕，唯恐事后骂得不够尖刻戏谑不够振聋发聩。再比如让子弹飞，姜文肯定给我们带来惊喜。我们买了电影票，就等着让他TMD给我们翻译翻译什么叫TMD的惊喜。看不懂，就说这片真有深度，可惜太小众了。看懂了，便把他当神来捧，唯恐自己的态度不够卑贱，拜倒得不够迅猛。只恨“愿为姜文门下走狗”这种结构已在王小波徐文长身上用滥了。

　　人总是渴求被认同。所谓“人生得一知己，死而无憾”，描绘的就是这种渴求被满足时的快感。人性若此，无以抗衡。这群大导演大玩家，亦不能脱俗，只是口味略有偏好。冯小刚张艺谋什么的活明白了，追求票房认同。陈凯歌自负才华，追求带点文艺腔的装B青年的认同。吾辈小装青年，层次低，为与不装B的大众拉开差距，大家紧紧抱成鸡蛋状，追求蛋内认同，人称蛋同。还有些大装青年，最爱唱反调，追求与小装们拉开差距，显得层次高，自会有人贴过来膜拜他们，叫他们大神。

　　姜文拍电影，也图个被认同。他的四部风格各异的电影，都有强烈的自我表达欲望。每一个片中的“我”，包括夏雨演的，都是他内心的部分投射。其前三部电影表现出来的选本、选角的眼光，节奏、镜头的把握，讲故事谈思想的水平等硬实力，在吾等小青年心中已然封神入圣。但姜文不满足，他追求更广阔的认同。《鬼来》被禁，《太阳》票房不佳，这些不认同的声音在姜文心里絮絮叨叨挥之不去。

　　两年多后，姜文射出来的，是经过精心构化，寻求破局的子弹。他的野心是得到同行，大众，小青年，大神和官府共同的认同。一言以蔽之：

　　我姜文，“站着”也能把钱赚了。

　　我从没见过国产导演有如此之大的野心，这野心听起来又如此的不可实现。同行是冤家，小青年想脱离大众，大神要高于小青年。最重要的是，官府认同的，小青年和大神就不认同。大众同行还算容易同时取悦。但小青年，大神和官府这三群，在态度上冰炭不容。

　　现实正是如此，在官府放行，喉舌大赞之后，电影自身素质迅速赢得了同行和大众的青睐。广大小装青年们在短暂的观望后，看到宁财神同学的一句“姜文王朝来了!”后立即拜倒投诚。罗永浩，今何在等大神迫不及待地跟跳出来，“日，评价这么高，不至于吧。(这电影没啥思想啊)”，“下次拍个更有追求的电影”，“你们到底为什么激动啊”。更极端一些的人开始咒骂，“姜文背叛了我们背叛了理想，腐化了拜金了追求票房了”。“站着，也能挣钱”这种事在他们眼里是没门的。 “你媚俗了大众，让大家都看的懂，你就已经跪下了。”“你媚俗了官府，不玩政治讽刺了，你就已经跪下了!”。

　　连我这个不合群的小装青年，看完后也充满了疑惑。前两小时被导演带着高速狂飙，爽透了，结尾的节奏变化却让我无所适从。张麻子打倒了黄四郎，最后却一无所得，兄弟女人也离他远去。他骑着白马缓缓离去的场景让我十分落寞。虽然最后的那场“起义”倾向危险…但这就是姜文电影里想说的么?

　　子弹呼啸而来，透体而过，我却没一点感觉，好像没打中一样。搞的我连影评都不想写了。

　　姜文说：“让子弹飞一会儿”。

　　电影的开头，张麻子对着白马开了一枪，这枪瞄准绳结，打中却不打断。白马继续跑，绳索已不能吃力。让“子弹飞了一会”，绳索终于断裂，白马才四散跑开。电影的结尾，姜文对我开了一枪。白马在我脑中奔驰一夜一天，绳索终于断裂，我才舒服了。

　　如果你看见了那思绪拖出来的暗线，就会明白宁财神说错了。“姜文的王朝，永远不会到来”

　　影评这么多，吐槽点最多的就是周润发饰演的黄四郎了。这个地主恶霸，说单词，玩“介错”，还总要拽拽文，钱也多的离谱。这些特质可笑，不必要，也不合理。但揭开暗线的线索，就在于这些“不合理”。影片的暗线，几乎都巧妙得埋在笑料之下。

　　问题1：故事发生在什么时间? 1920.

　　葛优演的马县长，在刚进鹅城不久就说：“不好，我们来晚了，前任县长已经把税预征到90年后了，都到2010年了”。原著中故事发生在193X年，是姜文特意改到1920年的。

　　问题2：黄四郎只是个地主恶霸么? 没那么简单

　　黄四郎交给假麻子(胡军)地雷时，说了很多：“北中国我不知道，但这种限量版地雷，整个南国只有两个”;“第一个在辛亥革命时炸了第一响”;“惊天，动地，还泣鬼神”;“1910，made in U.S”

　　辛亥革命发生于1911年，这1910年才生产。黄四郎不但知道辛亥革命的地雷是什么型号，还拥有唯一一颗双胞胎地雷。请问，黄四郎在辛亥革命中，发挥了什么作用?

　　黄四郎参与了在武昌起义的核心策划，是辛亥革命的老资格革命党!不信?下面还有佐证

　　问题3：张麻子只是个土匪么? 当然不是

　　电影里很明白的说了，张牧之，早年追随松坡将军(蔡锷)，17岁时即为其麾下手枪队长。是讲武堂出来的(考虑到蔡锷，应为1909年成立的云南陆军讲武堂)。蔡锷在日本死后(1916)，张牧之回国，落草。

　　蔡锷何人?梁启超高徒，民国开国元勋，护国军神。 1911年辛亥武昌起义后20日，蔡锷就在云南发动重九起义响应革命。1915年又发动护国讨袁并取得胜利。张牧之早年即追随他，也算是辛亥革命党对老资格。

　　张牧之和黄四郎还曾是革命战友? 影片给出了明显的线索

　　问题4：1900的一面之缘?

　　张牧之与马邦德赴黄四郎的鸿门宴时，黄四郎说。“20年前，我和张麻子曾有一面之缘”。从影片可以看出，黄四郎一开始就知道假县长就是张牧之就是张麻子。这句一面之缘，是他刻意点开的敲山震虎。影片确凿的发生在1920年。 20年前就是1900年。

　　黄四郎和张牧之在这一年见过面? 那一年发生了什么? 我们继续从张17岁当上蔡锷手枪队长入手。

　　问题是，张牧之现在多少岁，又是那一年遇上蔡锷的呢?

　　蔡锷1882年12月出生，1899年在时务学堂的老师唐才常德资助下赴日本留学，1904年毕业于日本陆军士官学校毕业。回国后先后在湖南广西云南等地练兵。

　　如果张是1904年后见到的蔡锷，那么1900年时张牧之不超过13岁。这样的孩子不应引起黄四郎的注意。且1920年时33岁，似乎又嫩了一些。蔡锷活到此时也不过三十七岁。 1899年之前的蔡锷不过是个16岁不到的学生，虽然已经声名不弱，但也不至于配个手枪队长吧。张蔡相逢，应为1899-1904年蔡锷留学时发生。17岁的张牧之，又为何会给一个留学生作手枪队长呢?

　　查了一下，1900年时，唐才常策划在武汉发动“自立军起义”。蔡锷闻讯即回国响应老师。但唐看他年纪小，就派他去湖南送信。后来唐才常被张之洞拍平，蔡锷身在湖南躲过此劫，又回了日本(其实这时候他才改名叫蔡锷，才去学军事)。我以为，张牧之当上蔡锷手枪队长，正是这一年。估计是唐才常不放心蔡锷一个人走，派了张牧之这个同龄毛头小伙子，给他当的保镖--”手枪队长”(估计是光头小队长)。这样算，1920年影片发生时张牧之37岁，也很符合人物形象。

　　黄四郎会在1900年认识张牧之，两种可能。1是黄也参与了自立军起义，在武汉或者湖南见过蔡锷与张牧之。 2是蔡锷把这个手枪小战士一起带到了日本，然后在日本和黄有过一面之缘。

　　我更倾向于后者，因为黄四郎和张牧之，显然都在日本混过不短地时间。

　　问题5：张牧之黄四郎都混过日本? 应该是，他们都对介错很熟

　　先来介绍一下介错：

　　日本人不爱上吊爱切腹，他们觉得切死自己挺光荣的。但切腹挺难操作，一刀捅进去，一时死不了还特别疼。身体倒得七扭八歪，挣扎起来满地的血，死相难看，特别不体面。故很多时候切腹者会让一个信赖的朋友当「介错」。介错人手持长刀站在其身后，在自杀者的短刀切腹的一瞬间砍下他的脑袋。

　　切腹大家都熟，但介错就相对冷僻。更别说在没网络和电视的1920年，如果不是对日本文化相当熟悉的人，根本说不出这俩字吧。

　　黄四郎在鸿门宴上说“要是这三个人供出我来，我就切腹，请兄台当我的介错”。张牧之说“你搞错了，介错人用的是长刀”。两个人应该都在日本待过相当长的时间。尤其是黄四郎，好端端的中国人没事谁能扯到切腹去。张牧之要在日本混，只能是1900-1904年。因为1904年蔡锷回国后就没怎么去日本(其实我也不熟，蒙的)，作为蔡锷的手枪队长，张牧之也不能去日本。等1916年8月，蔡锷病重去日本治病，当时张牧之一定跟着去了日本，但估计这段时间他可没兴趣研究什么切腹。何况11月初蔡锷就病逝了。

　　回答了这5个问题后，我们重新看黄四郎这个人。他留过西洋，也留过东洋。说话爱拽文，冒成语，国学功底算不错。你若把他看作一个土财主，这些设定显然有很蹩脚; 但若把他看作早期便追随孙中山的革命党，那些设定就很恰当。

　　黄四郎，不仅仅是一个简单的土财主。他是一个腐化的前革命者，现当权派。在鹅城，他是“官府”的代言人。

　　我总结一下暗线：

　　1900年，张牧之追随蔡锷到日本，并与黄四郎有一面之缘。

　　1900-1911年，张牧之和黄四郎在同一个革命阵营，但无交集。

　　1911年10月10日，辛亥武昌起义，黄四郎为核心成员。 10月30日，蔡锷在云南发动重九起义，张牧之也算核心成员。

　　1911年-1920年. 辛亥胜利后，革命者黄四郎，开始利用手中的权利敛财。他投靠了实力军阀张敬尧(还是张宗昌? 其实我没听清楚。总不能是张孝准吧)这座靠山后，愈发肆无忌惮，横征暴敛，更以故乡鹅城为根本苦心经营，控制了民国小半的烟土交易，大发其财。

　　辛亥胜利后，革命者张牧之，不求权钱，继续追随蔡锷。 1916年蔡锷死于日本，此后张牧之对时局失望，干脆落草为寇。

　　1920年，张牧之马邦德来到鹅城，电影开始。张黄斗法，掀起了一个小小的鹅城起义，胜利后张牧之分文不得，心爱的女人和他的兄弟们一起走了。这场“革命”，正如当年的辛亥革命，他什么也没得到，甚至失去了很多。他坐的chair，也被别的man抗走了。

　　这就是姜文在此电影里内藏的政治隐喻。谁会投入革命?蔡锷这样的英雄会，袁世凯这样的枭雄会，但最后得权的一定是袁世凯;张牧之这样的爷们会，黄四郎这样的投机者会，但最后得利的一定是黄四郎。当张牧之再次掀起鹅城革命，他不为财也不为权，不为女人也不为大众。他对黄四郎说：“没有你，对我很重要”。

　　如果你们觉得这个隐喻还不够过瘾，鸿门宴上还有句台词。“彼时彼刻?” “恰如此时此刻”(谢绝联想，请勿跨省)。

　　问题6：姜文要干什么? “让子弹飞一会”

　　解决了前5个问题，我们就明白姜文如何同时取悦小装，大神和官府三个群体了。那就是打时间差。这是一部让子弹飞一会儿才能被解读出的电影，子弹中的火药藏在喜剧和商业的外壳之下，躲过了官府的剪刀手。他若明白无误的指出黄四郎是由XX手段走上统治阶级的恶棍，配合最后的“鹅城运动”，那这片死的绝对比宁浩的《无人区》还惨烈。等子弹飞完，官府醒过神儿来，影片都下映了。

　　从技术手段来说，姜文为追求这个飞一会儿才明白的效果，刻意的将每一条重要的线索后埋一个包袱以转移注意力。比如张牧之刚刚自陈身份，说自己跟松坡将军混过。观众还没转过筋想清楚松坡是谁，葛优就跳出来插科打诨：“那一年，我十七岁，她也十七岁...”。在逗笑大家之余，将观众的注意力从“松坡”，“十七岁”这样的线索上转移开。避免影片立刻被看懂。

　　姜文的电影爱悄悄的牵扯些政治，但要把子弹对着官府打，未免自讨死路。他准备打向谁? 这就是本文最后要讨论的问题，也是姜文更大的野心所在。看官们可以把他野心想的特别不怕死，但我可不敢胡写。我觉得他把枪口对准时下电影界，对准某位电影界的官府代言人。

　　让我们再回顾一下姜文那句“我姜文站着，也能把钱挣了”。这点野心，观众都看的出来，也不难理解这句有点揶揄闷头挣钱的冯小刚。冯导岂是在于这点揶揄的人?还主动客串了汤师爷，和葛优联袂出演赚钱众。(冯导不但拍片赚钱发挥稳定，客串也是稳定的头五分钟就死。)汤师爷落水而死，葛优演的马邦德为求活命，一直在冒充汤师爷。可以说，在电影里，葛优代表了冯小刚。马邦德说的，就是汤师爷说的。也是冯小刚说的。

　　汤师爷要赚钱，他向谁跪? 官府代言人“黄四爷”。他怎么着挣钱? 黄四爷带头出钱，其他人就得跟着出钱，回头把钱还给黄四爷，得利三七开。

　　张牧之要站着挣钱，也得在汤师爷的配合下，先忽悠“黄四爷”先出了一百八十万两银子才行。

　　关键问题来了，汤师爷想赚钱得跪官府代言人黄四爷，冯导演想赚钱得跪那位爷?

　　时下电影圈里，有没有一个“爷”，是公认的官府代言人呢。这位爷，如果像黄四爷一样恶劣，已成中国电影的毒瘤，就够好了。这位爷，如果像黄四爷一样发家，先投身于“导”，一步步的向官府靠拢，终究成“爷”，就再好不过了。

　　有没有这样的一位爷，让姜文这种爷们电影人觉得。“X爷，没有你，对我很重要”。线索还在电影里

　　理解子弹的政治隐喻，突破点在于姜文相对于原著，对故事发生时间的改动。

　　理解子弹的现实所指，突破点在于姜文相对于原著，对角色姓名的改动。

　　在原著里，黄财主的原名叫黄天榜，”黄天棒”. 在电影里，叫作黄四郎，“黄四爷”。

　　韩三爷，您得多么的无畏，才敢于把自己的名字，放在这片儿的出品人上? 您给这电影投了多少钱来着，别是一千八百万

　　(原著师爷姓陈，没县长这人。电影里分别安上汤，马二名。将将是个“冯”字，有点附会，放括号里图个好玩吧)

　　在电影后半，张麻子对着黄四爷派出来的马车，虚射一枪，“让子弹飞一会”。片刻，枪声四起。

　　《让子弹飞》上映一会后，终会成燎原之势。其它手里有枪的导演，编剧，演员，杂志，评论家们，都会迫不及待的把肚子里藏了多年的子弹打出去。

　　姜文必将瓦解一个“三爷的王朝”，“剪刀手的王朝”。让黑马们倒下，白马们得以挣脱沉重的束缚。但”姜文的王朝”，永远不会来临。他会从容的从椅子上站起来，让别人搬走。自己骑上白马，悠然的离开我们的视线，化为一个传说。

　　让子弹飞一会儿吧!

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